Simpatía por el Diablo Vol. III
Israel Crens
"Oh, and as I watched him on the stage
My hands were clenched in fists of rage
No angel born in Hell
Could break that Satan's spell
And as the flames climbed high into the night
To light the sacrificial rite
I saw Satan laughing with delight
The day the music died
He was singing bye, bye, Miss American Pie..."
El día tres de febrero de 1959, tuvo lugar una terrible tragedia que sacudió el mundo de la música en la época de oro del rock & roll. Ese día ha sido catalogado históricamente desde entonces como "El día que la música murió".
Buddy Holly había comenzado una gira que contemplaba 24 ciudades en Estados Unidos. Los nuevos y flamantes artistas que se habían sumado al tour eran Ritchie Valens y Dion and The Belmonts para promocionar aún más su carrera en ascenso.
La logística de la ruta no había sido planeada de forma adecuada, lo que ocasionaba retrasos y pasar demasiadas incomodidades en el autobús que les servía de dormitorio provisional y transporte entre ciudad y ciudad.
El camión no era el adecuado para el clima extremo que enfrentaba la gira, que oscilaba entre unos 20 y 36 grados bajo cero. Al descomponerse el sistema de calefacción del autobús y la nieve acumulada entre los trayectos, propició a que varios de los componentes de las bandas comenzaran a mostrar signos de resfrío.
Al punto en que las actuaciones de todos los involucrados en la gira se encontraba comprometida. (En ocasiones Valens o Holly debían hacerse cargo de la batería). Puesto que varios de los músicos estaban imposibilitados para tocar.
El lunes 2 de febrero arribaron a la ciudad de Clear Lake. El siguiente punto del tour era la ciudad de Fargo, en Dakota del Norte.
Holly, agobiado por el trajín del autobús, decide alquilar un avión para llegar al siguiente punto y así obtener un día de descanso extra.
La pequeña aeronave Beechcraft 35 Bonanza tenía únicamente capacidad para tres pasajeros y el piloto. Una leyenda urbana cuenta que el avión tenía por nombre American Pie, pero no existe registro alguno que mencione que la aeronave tuviese ese nombre.
J.P. Richardson (The Big Bopper), había contraído gripe y Waylon Jennings (por aquel entonces músico acompañante de Holly), le cedió amablemente su lugar en el vuelo.
Cuando Holly se enteró de que Jennings no viajaría en el avión, le dijo en tono burlón: "¡Espero que tu autobús se congele!" Jennings contestó a modo: "¡Bueno, yo espero que tu avión se estrelle!". Una réplica de mal augurio que persiguió a Waylon por el resto de su vida.
Ritchie Valens que padecía o había padecido miedo a volar, se jugó su sitio en el vuelo a cara a cruz con el músico Tommy Allsup sellando así su destino.
Dion, quien había sido considerado para un lugar en el avión, desistió. Pues a su criterio, el costo del boleto era un derroche innecesario de dinero. Y así, por azares del destino unos fueron los afortunados, y el resto enfrentaron un trágico desenlace.
Don McLean / American Pie (1971)
Don McLean tuvo uno de los mejores protagonismos en la historia de la música al retratar hechos históricos mundiales. Mismos que marcaron una época en específico, ya fuese por su trascendencia, por valor artístico, moral, o eventos marcados por la tragedia.
Momentos que sacudieron a la humanidad, que determinaron los próximos sucesos tras esos cambios y choques generacionales.
Años de cambios colosales y acontecimientos de una envergadura digna de observación para las futuras generaciones.
McLean hace un alarde de soberbia y suprema composición al retratar en breves lapsos, parte de esos eventos en los cuales sus efectos y consecuencias han repercutido hasta nuestros días.
Y nos enseña que la historia debe contarse como tal ha sido.
Fiel a su norma de que un compositor no debe ahondar en la explicación o interpretación de su trabajo, ha dejado que su obra maestra sea sujeta de estudio a través de los años y se le pueden atribuir múltiples significados.
Pues su excelsa alegoría en el texto, la parábola de la canción misma y las connotaciones históricas son fascinantes cuando observamos de qué forma se observaban los hechos.
Se etiquetaba y se descalificaba por igual a artistas, movimientos culturales, políticos, religiosos y la guerra en el trasfondo de todo ello.
Siempre con un oscuro espectador o ejecutante que reía con placer ante dichos acontecimientos.
La canción con un récord de 8:33 minutos, es considerada una de las mejores obras del siglo XX. La letra y la trama se van describiendo por sí mismos.
Un repaso histórico para los entendidos en el tema y para aquellos que se precien de su conocimiento básico y general.
¿Hay cuatro protagonistas invisibles interviniendo en los hilos del mundo? Sean libres de juzgar por sí mismos.
David Bowie / The Man Who Sold The World (1971)
David Robert Jones nos transmitió en 1970 un mensaje claro y contundente.
Un ser andrógino, híbrido y transmutado que podía desplegar un abanico de personalidades y personajes que venían construyendo el glam.
Obra nacida del inconformismo, fuente inagotable de creatividad que tiene su origen de una personalidad indefinida y fragmentada. Con guiños de un poema de Hugh Mearns llamado "The Psychoed".
El diálogo consigo mismo contrae y resume sus años desde el Mayor Tom que se convierte en yonqui y el alter ego de Ziggy Stardust.
Vistiendo un rock progresivo moribundo de nuevos colores y matices. Un glam para ser ídolo de miles, cincelado a manera de conquistar de forma épica a las masas hambrientas de esa única e irrepetible genialidad.
Utilizando magistralmente el bajo, un güiro como percusión y un sintetizador Moog prestado por George Harrison, es como todo el LP se complementó con los demás instrumentos y fue realizado. Otorgando a la música una de sus mejores obras, digna de aparentar estar en el hall del castillo del conde Vlad.
La letra, la representación de la escalera en el diálogo, es una clara manifestación en sentido figurado de un despliegue de personalidades.
Mismo en el cual se alude a que jamás perdió el control de quién era realmente y podía manejar sin problema los demás suspiros vestidos o disfrazados (hay que decirlo), de una genialidad que muy, muy pocos artistas han conseguido.
Las alusiones de cáliz oscuro o satánico provienen de una idea vaga de que el diálogo en sí mismo, versa sobre Dios y el Diablo.
Se toma nuevamente el concepto de esa entidad todo poderosa que tiene un conflicto terrible de personalidad dual. Un ser que está perdiendo el control en pleno conflicto mental y emocional sobre sus creaciones, su universo y sobre sí mismo.
Dicho de otra forma, Dios y el Diablo son la misma entidad.
Y que con el transcurso de los eónes comienza a perder el control y la lucidez sobre sus actos.
Vagando por siglos en una tierra extraña y teniendo la negación como principal excusa, y que a su vez afirma que debieron morir solos entre una multitud.
El texto (ya en tercera persona), duda y a su vez cree que debieron morir. Incapaz de precisar entre la vida y la muerte.
Entonces al análisis se vuelve complejo al intentar deducir quien es la persona que vendió al mundo, jugando entre los tres espacios de tiempo. Pasado, presente y futuro. Vida, muerte o sueño.
Dado que si incluimos una tercera figura en el diálogo, se presume que es la muerte quien interpreta el último narrador. Quien determina el texto y lo redondea en su totalidad.
Aunque eso, es una libre interpretación que cada quien desee darle.
Leyenda urbana o el significado real que Bowie quiso retratar en su paso por la música, y las diferentes facetas de desarrollo que tuvo a lo largo de su brillante carrera.
Es el titubeo entre el lagarto con vestido y el duque kitsch. Su despojo de la coraza acústica.
Un ente entre el delirio apocalíptico de generaciones, que define el hilo de su propia catástrofe existencial por las transiciones progresivas, un glam multicolor. Hasta el desplome colosal de un rock bien definido.
La paradoja ha sido expuesta. Ese híbrido Zaratustra y Ziggy Stardust nos pasea en una onda sonora de profecías distópicas.
¿Dos mundos, tres?
¿Un solo ser omnipotente voluble y de doble personalidad?
Es sin duda, el suspiro que habita entre el delirio y un parpadeo.
King Crimson / The Court of The Crimson King (1969)
Estar en la corte del Rey Carmesí, es entrar a una especie de Tierra Media. Una donde los largas grietas exponen el magma pretérito del que se considera los cimientos del rock progresivo.
Un mundo tan lejano y extraordinario que al intentar contemplarlo en una sola exposición, nos puede suceder lo mismo que a Isa ( Jesús ) cuando solicitó contemplar el Bahamut.
* "Dios creó la tierra, pero la tierra no tenía sostén y así bajo la tierra creó un ángel. Pero el ángel no tenía sostén y así bajo los pies del ángel creó un peñasco hecho de rubí. Pero el peñasco no tenía sostén y así bajo el peñasco creó un toro con cuatro mil ojos, orejas, narices, bocas, lenguas y patas. Pero el toro no tenía sostén y así bajo el toro creó un pez llamado Bahamut, y bajo el pez puso agua, y bajo el agua puso oscuridad, y la ciencia humana no ve más allá de ese punto."
Recordemos entonces que en la noche 496 del Libro de las mil y una noches, se le concede a Jesús ver a Bahamut y que, una vez lograda esa audaz misión, rodó por el suelo y tardó tres días en recobrar el conocimiento.
La moraleja nos sugiere que aquello que está más allá de nuestra capacidad de comprensión y visión, nos puede ocasionar un trauma tan atroz que difícilmente nos recuperaríamos de ello.
Así mismo no podemos intentar de un fugaz vistazo recorrer y contemplar las raíces de la música y todas sus ramificaciones, pues seguramente sufriríamos un colapso.
King Crimson es un pilar monumental en el género. Su vasta obra es digna de ser escuchada en diferentes lapsos de tiempo, de clima y hasta de un estado emocional ad hoc para poder apreciarse en su totalidad.
Un grupo que no se puede designar como banda, pues una de sus normas es el cambio constante de sus integrantes, y muchos grandes músicos han militado entre sus filas.
Conscientes de su diversidad musical como de estilo, es un puñado de músicos que han tenido muy poca presencia comercial en radio o televisión. Lo que les ha conferido el grado de ser un grupo de culto con una alineación inestable por designio propio.
Su nombre fue idea del letrista Peter Sinfield, un franco sinónimo de Belcebú, príncipe de los demonios. Según Robert Fripp (guitarrista líder y único miembro original durante toda la trayectoria de la agrupación), Belcebú es un anglicismo de la frase árabe B'il Sabab, la cual significa “hombre que ambiciona”.
La canción "The Court of the Crimson King" es un ejemplo magnífico de la combinación de jazz y música clásica en la cual predomina el mellotron. Instrumento usado anteriormente con maestría por The Beatles en "Strawberry Fields Forever", por The Rolling Strones en "She's a Rainbow" , por Traffic en "Hole in my Shoe" y por los Moody Blues en "Days of Future Passed".
Siendo el epicentro del rock progresivo, en el LP In The Court of The Crimson King, tenemos el principio de grandes bandas como Yes, Asia, o Emerson, Lake & Palmer. Incluyendo el comentario de Pete Townshend (The Who), como unos de los mejores álbumes de todos los tiempos.
La letra de la canción que nos atañe, se le atribuye casi en su plenitud a una procesión de hechos infernales sobre la humanidad en tiempos renacentistas.
Si bien no es una explicación lógica de la lírica contenida, es una apreciación que se le ha dado por su corte oscuro.
La corte real es supuestamente la que rodea a Belcebú en el Infierno y que domina a la humanidad (como meros títeres), a voluntad y dominados a través de los sueños.
La espera en la puertas del averno para una súplica o una respuesta tras haber trascendido al mundo de los muertos. Un cántico y una alegoría en la cual se pretende traer de vuelta a la Bruja de Fuego
y pueda determinar en la corte el destino de la humanidad.
Las almas atrapadas que deben realizar su infinita danza macabra al son de una orquesta infernal para deleite y diversión del Rey Carmesí.
Entran como es menester, múltiples significados a la canción. Y es prudente hacer la acotación que se toca el tema del supuesto significado oscuro y demoníaco.
El folclore urbano de la música rock tiene tendencia a pintar de rojo y negro para darle, quizá, un rol más predominante a esa música de culto.
Sea el significado que resulte, no está a disponible para discutirse en este espacio. Es únicamente plasmar la genialidad de unir letras con una sinfonía de dimensiones épicas.
El trono del inframundo o del paraíso, es probablemente algo carente de importancia. Si tomamos en cuenta que nuestras acciones y decisiones son propias. No asesoradas o aprobadas por entidades intangibles que parecen venir del éter.
* Manual de Zoología Fantástica / Jorge Luis Borges (1957) D.R.
Pink Floyd / Wish You Where Here (1975)
Los cerdos no vuelan, aparentemente. ¿Los diamantes brillan por si mismos? Tal vez. ¿Existe vida en el lado oscuro de la luna? ¿Podemos ver colores nuevos a través de un prisma?
Preguntas a respuestas inciertas. Preguntas de un mundo -mejor dicho-, de un universo subjetivo. Que convive con nosotros día tras día.
Arrastrándonos a nadar en una pecera, peleando en una guerra interminable y sintiendo una y otra vez los mismos miedos en el espacio que habitamos.
Si crees que puedes distinguir el cielo del infierno de cualquier paisaje o entorno ajeno a la linealidad planetaria preestablecida (o sea, fuera de la Tierra), entonces has superado tus propias expectativas emocionales y has conseguido ir más allá del espectro visual.
De forma audaz, hacer una conjetura de una canción que ha trascendido generaciones y ha sido venerada por su genialidad y sincero sentimiento hacia una persona, es totalmente ridículo.
Y no es posible concebir que una alegoría a una enfermedad mental que fue alimentada por un exceso de conflictos y fármacos, tenga que ver algo con un pacto celebrado con un ser oscuro.
La referencias a un ser atormentado por sus demonios internos, no versan precisamente de que se trate de un alma a punto de entrar en el purgatorio y que deba enfrentar miles de tormentos inimaginables.
Eso lo vive la gente a diario cuando se dedica de lleno a alguna creencia religiosa y que se sustenta por el fanatismo y la necesidad de creer en algo superior para aliviar sus culpas y justificar los actos en su vida cotidiana. Eso es precisamente el infierno personal.
Atenerse a la voluntad etérea de algo intangible, invisible.
Y no vamos a juzgar. La tortura cada quien se la inflige a su gusto y en la proporción que cree adecuada, como si se tratase de una tarjeta de crédito. Que da satisfacciones de estatus a cambio de un empobrecimiento económico y moral. Pero aparenta dar la sensación de un poder inexistente.
Y sin desviarnos más de tema, no desvirtuemos la causa principal de las artes vertidas en un texto enriquecido con tintes de locura y genialidad.
"Wish You Were Here" es el amalgama que une toda la sinfonía de Pink Floyd. De naturaleza efervescente, sí.
¿Que sería entonces del rock de alta gama si no causara comezón en el cuello con corbata de un pastor, de una sotana, de las bragas de la mediocridad y la ignorancia?
Los detractores deben existir en ambos polos. Pero el discernimiento de amplia visión, es saber separar las cosas.
Pink Floyd fue la antítesis de los supuestos valores morales que se rigen por el dogma social y religioso. Aberrante para unos y necesario para muchos.
El mundo es dominio de aquel que tiene la mente abierta, que incluye el libre pensamiento y la libre expresión.
Así que en el marco de esta lógica, podemos asumir dentro de la imaginería artística, que entonces los cerdos efectivamente vuelan.
Queen / Bohemian Rapsody (1975)
Queen siempre estableció un antes y un después en la forma de llevar la composición con diversas innovaciones vocales.
Armonías pulidas hasta el perfección, notas brillantemente logradas y con excelso cuidado para lograr el balance exacto para cada creación.
Lamentablemente, existe un alto porcentaje en el promedio común de la gente que sigue pensando que Freddie Mercury era la única figura creativa de Queen, y el resto de los integrantes unos músicos de rol secundario.
Mercury era en imagen el epicentro y figura dada su condición de vocalista. Sin embargo, Queen siempre fue una banda muy bien constituida con todos sus integrantes trabajando como un reloj fino.
La compenetración entre sus integrantes fue a la altura de bandas como The Beatles, KISS, Led Zeppelin, Pink Floyd o los Bee Gees.
Cualidad que pocos grupos tienen, en el que todos sus integrantes fueron compositores y/o cantantes. Y eso es lo que marca la diferencia en el nivel de composición e interpretación.
El rock ópera nos lleva a un nivel bastante elaborado y complejo. En esbozo para los interesados en el tema, tenemos el ejemplo auditivo y después visual en la ópera rock Tommy de The Who.
Con The Night at The Opera, Queen logró posicionar sus arias y emociones en una norma fuera de lo convencional. Si bien las emociones volcadas en ello suelen ser confusas, vemos el exceso de creatividad en ello.
Brian May y Roger Taylor cuentan que las sesiones de grabación para el tema “Bohemian Rapsody” se extendían hasta 12 horas por día únicamente para el segmento de voces en cintas análogas de 24 pistas.
Con seis secciones: Intro, balada, solo de guitarra, ópera, rock y la coda.
El formato elegido era a todas luces una mezcla imposible de tempos, tonalidades y estilos en un formato abrupto de rock. Aunque con anterioridad la banda había usado ese tipo de formato en otras dos canciones previas a su rapsodia.
El núcleo de una letra siempre será un secreto exclusivo del compositor. Es una manifestación de auto-exposición rotunda y sus secretos (si son relevados por el propio artista), nos quita el velo de los ojos.
Y en caso contrario, todo serán siempre meras conjeturas de las más elaboradas teorías.
La confusión de idiomas y traslaciones literales dan pie a unas confusiones tremendas. Es un mal común conocido entre los que suelen dominar varios idiomas.
Cuando la banda lanzó un elepé de éxitos en Irán, se incluyó un folleto traducido al persa. En él se habían hecho las traducciones pertinentes de las letras de cada canción.
Para la traducción de Bohemian Rapsody, contenía una nota aclaratoria que la letra versaba sobre un hombre que había asesinado, y que al igual que Fausto, hubo de vender su alma al diablo.
Y que en la noche previa a su ejecución por el acto cometido, se enfrasca en invocar a Dios en árabe, refiriéndose a él como Bismillah. Obteniendo de esta forma la ayuda de los ángeles para recuperar su alma que ya se encontraba en manos de Satanás.
Las especulaciones a que la letra se refiere a un asesino suicida y asediado por demonios es una idea popular.
Además de que se subraya el hecho de que Mercury peleaba constantemente con su homosexualidad y la acción de “asesinar” a un hombre, era una expresión literal para él al terminar con ese conflicto emocional y abrazar abiertamente su preferencia sexual.
Un melodrama con tintes de erotismo masculino y adornada con tonalidad en si bemol con el verso “Beelzebub has a devil put aside for me” (Belcebú tiene un demonio reservado para mí).
John Deacon es quien termina por redondear a la perfección la canción con un amplificador de su invención (Deacky Amp), al hacer pasar por él las últimas notas de la guitarra de May, seguido del toque final del gong de Taylor.
¿Demonios, ángeles?
Cada ser humano ve lo que desea ver. Al igual que cualquiera es libre de creer lo que le venga en gana.
Las interpretaciones de letras, textos o manuscritos siempre están ligadas a los prejuicios y criterios de cada individuo.
Dicho de otra forma, acorde a los parámetros de su sabiduría o su ignorancia.
Eagles / Hotel California (1976)
Un extenso y cálido olor a colitas (cannabis) invade el aire en una carretera que se extiende hasta perderse en el horizonte. Los cumulonimbos acechan en las alturas y la temperatura comienza a tornarse fría al pasar por el cabello...
Si en alguna ocasión tienes a bien realizar un viaje por autopista o carretera, en auto o motocicleta, solo o en compañía de alguien, ten en cuentas esos tres signos. Sabrás que será tu entrada a un lugar del que no hay salida.
Ya sea por decisión propia o que sea tu destino el disfrutar de un lugar que siempre te estuvo esperando.
La canción emblemática de la banda Eagles "Hotel California", tiene unas connotaciones y un folclore muy interesante, que al paso de las generaciones, no pierde el encanto propio y la obra maestra que como tal, es considerada.
La existencia del Hotel California que aparece en la portada del álbum, es realmente el hotel Pink Palace en Beverly Hills, California E.U.
Y es en este recinto dónde comienza el periplo de la leyenda urbana sobre el culto satánico al que supuestamente el tema le rinde culto.
Anton Szandor LaVey (1930-1997) fue un icono dentro del Satanismo al ser el fundador de The Satan Church y proclamado posteriormente como el Papa Negro. Fue un personaje controvertido y asiduo seguidor de los textos de Aleister Crowley.
Los rumores cuentan que durante una estadía de su parte en el Pink Palace, es cuando escribe The Satanic Bible (La Biblia Satánica). Con su bien fundada y cimentada sede. Séquito al cual se le conocía como "El gran hotel".
Anton retoma parte de las ideas de Frederick Nietszche para la elaboración de su biblia demoníaca y reconoce en los agradecimientos e inspiración a personajes destacados tales como Alessandro Cagliostro, Fritz Lang, P.T. Barnum, Wilhelm Reich, Mark Twain, Howard Hughes, Marilyn Monroe, Jayne Mansfield, George Orwell, H.P. Lovecraft, H.G. Wells y Harry Houdini entre otros.
En su biblia, figuran las nueve afirmaciones satánicas (aspectos o simbolismo), que se deberán tomar en cuenta para la correcta comprensión de lo que se menciona en el libro.
1.- Satán representa complacencia, en lugar de abstinencia.
2.- Satán representa la existencia vital, en lugar de sueños espirituales.
3.- Satán representa la sabiduría perfecta, en lugar del auto engaño hipócrita.
4.- Satán representa amabilidad hacia quienes la merecen, en lugar del amor malgastado en ingratos.
5.- Satán representa la venganza, en lugar de ofrecer la otra mejilla.
6.- Satán representa responsabilidad para el responsable, en lugar de vampiros psíquicos.
7.- Satán representa al hombre como otro animal, algunas veces mejor, otras veces peor que aquellos que caminan en cuatro patas, el cual, por causa de su "divino desarrollo intelectual", se ha convertido en el animal más vicioso de todos.
8.- Satán representa todos los así llamados pecados, mientras lleven a la gratificación física, mental o emocional.
9.- Satán ha sido el mejor amigo que la iglesia siempre ha tenido, ya que la ha mantenido en el negocio durante todo este tiempo.
Sea Anton un iluminado o no en cuestiones de fuerzas invisibles, su supuesta influencia en el tema de la banda, toma fuerza cuando se observa una foto interior del álbum, en la que se encuentran los integrantes de Eagles en una plazoleta interior del hotel con más gente alrededor de ellos.
En la parte superior izquierda se observa una silueta en una especie de terraza o pasillo. Silueta que muchos atribuyen a LaVey, estando presente en el supuesto culto del que es parte.
Independientemente de esa teoría, existe otro asunto que incomodó a la banda por su obra.
Ian Anderson, líder fundador de Jethro Tull hizo en el pasado múltiples referencias a que la canción de Hotel California era un plagio de su canción "Used To Know" del LP Stand Up (1969).
Aunque Ian jamás llevó el asunto a la corte, se recuerda que Eagles fue telonero de Jethro Tull cuando la banda británica interpretaba en vivo el tema Used to Know que alude al supuesto plagio.
La lírica ha sido expuesta a todo tipo de interpretaciones y análisis. Si bien suponemos que versa sobre una descripción sobre la vida de clase social alta de la ciudad de Los Ángeles (y el mundo de drogas que gira en torno a él), es innegable el tono oscuro del tema.
En el que el protagonista tras un intenso cansancio repentino, decide detenerse en un hotel e intentar descansar un poco. Pensando para sí mismo que el sitio bien podría tratarse del cielo o el infierno, mientras es atendido por la recepcionista que funge como el anfitrión del purgatorio.
En su recorrido por los pasillos escucha voces provenientes de un sitio desconocido, que le dan la bienvenida al inmueble.
Recinto en el que aparentemente todos tienen un momento de esparcimiento y relajación. Y en el que el reposo solamente es interrumpido a mitad de la noche por las voces fantasmagóricas que reiteran la bienvenida.
Así, hasta que una charla con la recepcionista desentraña los misterios que envuelven al hotel al referir que todos ahí son prisioneros por decisión propia.
Y que pese a los intentos de matar a la bestia (quien controla el recinto), es imposible hacerlo. Dando por entendido que el protagonista se encuentra en el Infierno y será imposible salir de ahí.
De esa forma, Eagles lograba el pináculo de su carrera con una canción y un álbum que son considerados entre los mejores de la historia de la música rock.
Las armonías vocales de Glenn Frey, Don Felder, Joe Walsh, Timothy B. Shmit y Don Henley, sumado a sus talento como músicos, es sencillamente inigualable.
El folclore oscuro y leyendas que se integran a una banda o canción en especifico, en la mayoría de los casos solo logran aumentar el valor estético de la obra en cuestión, y su apreciación a un volumen mayor de espectadores.
Unos, gracias al reconocimiento de un grupo genial, y otros, solos movidos por el morbo de hallar fantasmas y diablos en todas partes cual pastor, cura o devoto de algún templo que no merece la importancia de mención.
KISS / Charisma (1979)
KISS: Knights In Satan Service
Según leyendas populares, ese el verdadero significado del nombre de la banda con más parafernalia del rock.
Pioneros del rock show de luces, fuego, sangre, cantidades enormes de humo y romper los instrumentos durante sus presentaciones en directo.
Aunque bien el nombre podría significar Beso, es más común entre la Kiss Army, tomar las siglas como Caballeros al Servicio de Satán (Knights In Satan Service).
KISS fue un pionero del género del hard rock, el maquillaje kabuki (previa influencia de Alice Cooper) y llevar el rock glam a nuevos e insospechados niveles.
En su alineación original, Peter Criss, Ace Frehley, Paul Stanley y Gene Simmons, establecieron un récord de shows en los que se presentaban innovaciones que estaban totalmente ad hoc a su estilo de música y su expresión artística en el escenario.
Y aunque la alineación ha cambiado con el transcurrir de los años. para muchos el verdadero espíritu y la esencia misma de la banda, permanecen con la alineación de origen. Considerando al resto de alineaciones importantes, pero no con la trascendencia primaria.
Las personalidades asumidas por cada integrante nada tienen que ver con rendir culto a alguna secta en particular, rito o parte religioso-satánico. The Starchild, The Demon, Space Ace y The Cat Man son el alter ego que por un tiempo les permitió vivir una vida normal en el anonimato sin los problemas que acarrea la fama.
Y como es costumbre, la gente sin mucho que hacer en su vida, encontró significados ocultos en su música y simbolismos que hacían referencia al culto del demonio.
Un estrella (pentagrama), un gato (asociado a ritos), un hombre del espacio (alusión a fuerzas ajenas a Dios) y por supuesto, el Demonio que no necesita más explicación.
Shows con explosiones, fuegos excesivos, sangre (artificial), violencia, simbolismos y la continua alusión al sexo; fueron los detonantes necesarios para que se les considerase un grupo consciente de su alcance entre la juventud e incitarla a actos de orden vandálico, ritos paganos y sexualidad desenfrenada.
Con la música disco en declive, KISS logra unos de sus mejores álbumes con Dynasty (1979).
Elepé que los integra al movimiento disco y que al mismo tiempo los aleja de su estilo para disgusto de muchos de sus fans. El trabajo es brillante y es triste que sea al mismo tiempo el preámbulo de la desintegración del grupo.
Pese a que se hizo una bien promocionada gira con grupos y artistas que fungieron como teloneros (Cheap Trick, John Cougar, Loverboy y Judas Priest), KISS como banda, ya estaban viviendo de tiempo prestado.
"Charisma" es la canción que abre el lado B del acetato. Uno de los dos temas en los que cantó la voz principal Gene Simmons.
El tema versa sobre una base machista absoluta. Su contenido altamente ególatra y narcisista define que la mujer únicamente ve al hombre como un vínculo y objeto de intereses materiales, estatus social y económico. No existe el amor. Sólo el carisma de todo el conjunto de cosas mencionadas anteriormente.
En ese contexto se le atribuyó que la letra era una clara incitación a hacer un pacto demoníaco para obtener fama, fortuna, posición social y una vida sexual altamente activa.
O su alusión directa de que el diablo efectivamente habita en las mujeres y son movidas únicamente por el interés material cuando la ambición detona en ellas.
La letra tiene una intención abierta de doble sentido o sarcasmo. Lo cual, es donde radica éxito de la misma.
Pues son precisamente el tipo de canciones que despiertan el subconsciente (en el que se desea en el fondo), contar con alguna de esas cualidades o posiciones para ser mejor persona acorde a los lineamientos del ego de cada individuo.
Así, KISS se anotaba un tanto más en su haber al dejar expuesto que la fama y la fortuna se consiguen a base de esfuerzo, o, por la vía sencilla. Un pacto firmado con sangre a cambio de tu alma.
AC/DC / Highway to Hell (1979)
AC/CD
Alternating current / Direct current (Corriente alterna / Corriente directa)
Anti Christ / Devil Child (Anti Cristo / Hijo del Diablo)
After Christ Devil Come (Después de Cristo / Llega el Diablo
Alameda County Death Cult (Culto a la muerte del condado de Alameda)
Muchos son los significados que se le atribuyen al nombre de una de las bandas más representativas del hard rock. Aunque el origen verdadero proviene cuando los hermanos Young ven las siglas escritas debajo de la máquina de coser de su hermana Margaret. AC/DC
Otro de los significados que se le atribuyen a las siglas en otras culturas, es un término de jerga para referirse a la bisexulidad.
Por consecuencia, la banda creada por los hermanos de origen escocés Malcolm y Angus Young, le llevó un tiempo establecer que se trataba de un grupo heterosexual, aunque siempre les resultó divertido que la gente les atribuyera diferentes connotaciones por las siglas que daban nombre al quinteto.
Un grupo que ha tenido el símbolo visual y guitarra principal en Angus Young, con un rol tan representativo que es fácil recordar su habitual atuendo de colegial. Fungiendo como el principal motor de una banda con poder de convocatoria y fuera escénica admirable.
Los hermanos Young asentaron bien su estilo con la llegada de Bon Scott. Y aunque hubo cambios en la alineación de origen, se recuerda el sello vocal de Scott y tras su muerte, la alineación más potente es sin duda la que se realizó con Brian Jhonson, Phil Rudd, Cliff Williams y los hermanos Young.
En una carrera ascendente, junto al carisma de Scott, hicieron que el tema que da nombre al mismo álbum Highway to Hell (1979) terminara por convertirse en un himno al final de la década.
Y es justo en esa cúspide de éxito, cuando fallece Bon Scott por intoxicación etílica en la madrugada del 19 de febrero de 1980. Tras ir al bar Music Machine (hoy conocido como Camden Palace).
Su compañero de tragos esa noche fue su amigo Alistair Kinnear. Luego de salir del bar, Kinnear lo llevó en su automóvil, pero al darse cuenta de que era imposible despertarlo de su sopor, decide llevarlo a su casa. En un inútil intento de sacarlo del auto y despertarlo, opta por dejarle ahí.
La muerte de Scott a la fecha está rodeada de un halo de misterio otorgado por los aficionados a las conspiraciones. Pues al parecer pasan 15 horas desde que Alistar deja a Scott en el auto. Cuando regresa, se da cuenta que sigue sin recobrar el conocimiento. Lo traslada al Kings College Hospital y se adjudican las causas de la muerte por broncoaspiración. Aunque Alistar negó años después que esa haya sido la causa de la muerte.
Con esta circunstancia, la banda se encuentra al borde del colapso, y es justo cuando ponen todas sus expectativas en Brian Johnson, ex vocalista del grupo Geordie. Y comienza su nueva etapa.
Aunque las letras de la banda son bastante explícitas y sería absurdo tratar de encontrarles un significado que ya es evidente, existe otra anatema sobre ellos (que según sus detractores), ha sido la causa de la supuesta maldición que persigue al grupo al transcurrir de los años.
Maldición que cronológicamente inicia con la muerte de Bon Scott en 1980 en un momento clave de la carrera del grupo. Y que posteriormente fueron acusados de ser un grupo de culto satánico por la sociedad norteamericana más puritana a mediados de los ochenta.
La causa de los hechos resultó a costas de un admirador del grupo, que a la sazón resultó un asesino en serie aficionado a dibujar pentáculos satánicos en el escenario de sus crímenes. Y que al momento en que por fin fue puesto bajo arresto, vestía una camiseta de la banda y declaró ser un fan acérrimo del álbum Highway to Hell.
Una anécdota que siguió alimentando la mente inquieta de Angus Young. Al mismo tiempo que refuerza su rol de representarse así mismo como un diablillo en escena, en franco tono de burla y actitud provocativa de una sociedad mojigata que los señalaba como seres infernales.
Otra de las causas que propiciaron ese estigma, fue que al morir Bon Scott (según se cuenta), llevase colgado en el cuello un pentáculo.
Así, la supuesta maldición siguió su curso en el resto de los integrantes.
Malcolm Young se ve forzado a retirarse de la banda un 23 de septiembre de 2014, por su progresivo alzheimer y su incapacidad para desempeñarse en el grupo.
Phil Rudd es arrestado un 9 de julio de 2015, bajo el argumento de intento de asesinato a un ex empleado. Y posteriormente se le dictó sentencia de arresto domiciliario por amenazas de muerte, posesión de meta anfetaminas y marihuana.
En abril de 2016, el vocalista Brian Johnson tuvo que retirarse en plena gira a riesgo de perder el sentido de la audición y ser sustituido de forma temporal por el ex vocalista de Guns N' Roses, Axl Rose.
El 8 de abril de ese mismo año, Cliff Williams anunció su retiro oficial de la música y de la banda al finalizar la gira Rock or Bust en septiembre de 2016.
El episodio fatal aconteció el 18 de noviembre de 2017 al fallecer Malcolm Young tras haberse complicado su estado de salud tras su retiro.
Así, se cerraba un ciclo más en los anales de la música rock. Aunque AC/DC sigue con una nueva alineación y producciones futuras, el espíritu original de la banda como fue concebida en un principio, ha dejado de existir.
Aunque su esencia y poder escénico, seguirá siendo algo digno de recordarse siempre.
Con maldiciones o sin ellas, con supuestos cultos a deidades malignas, la música rock ha sido el auge y motor de generaciones que siguen a la saga de encontrar sentido a sus vidas.
El arte y su expresión en cualquiera de sus ámbitos es algo que debe valorarse como uno de los recursos emocionales más importantes de la humanidad.
En el caso de la música, -sea la connotación que quiera darle cada individuo-, es el fiel reflejo del paso del tiempo, de momentos históricos, tragedias o grandes hazañas. Es el paso de una generación a otra.
De romper esquemas, ideologías, de trascender más allá de creencias obsoletas de carácter religioso y conceptos educativos arcaicos.
De observar que las bases artísticas de antaño sirven para un bien común. Y que son la pauta para la juventud (que debe por desarrollo propio), representar un progreso en todos los sentidos.
No lo contrario, con asociaciones absurdas y retrogradas, con el parapeto de algo que se supone nos hace mejores personas.
Y recordar que si con anterioridad hiciste un pacto con el diablo, puedes hacerle mención que has pagado tus deudas cantando, tocando o siendo asiduo fan de un grupo de rock.
"Pleased to meet you, hope you guess my name
...just call me Lucifer
Cause I'm in need of some restraint
So if you meet me, have some courtesy
Have some sympathy, and some taste"
Israel Crens
De Culto
Walnut Street Ediciones ®
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